Камерный театр и Театр имени Пушкина

С 1931-го по 1933-й год Фаина Раневская играет в Московском Камерном театре, которым руководил режиссер Александр Яковлевич Таиров. Позднее она вспоминала: «Мне посчастливилось быть на спектакле "Сакунтала", которым открывал сезон Камерный театр. Это было более полувека назад. Роль Сакунталы исполняла Алиса Коонен. С тех пор, приезжая в Москву (я в это время была актрисой в провинциальных театрах), неизменно бывала и Камерном театре, хранила преданность этому театру, пересмотрев весь его репертуар... Все это было так празднично, необычно, все восхищало, и мне захотелось работать с таким мастером, в таком особом театре. Я отважилась об этом написать Александру Яковлевичу (Таирову), впрочем, не надеясь на успех моей просьбы. Он ответил мне любезным письмом, сожалея о том, что в предстоящем репертуаре для меня нет работы. А через некоторое время он предложил мне дебют в пьесе "Патетическая соната". В спектакле должна была играть А.Г. Коонен. Это налагало особую ответственность и очень меня пугало». Несмотря на свои опасения, Фаина Раневская успешно дебютировала в роли проститутки Зинки в пьесе украинского драматурга Николая Кулиша «Патетическая соната».

В «Патетической сонате» Кулиш увлекся бытовыми подробностями и малозначительными мелочами, из-за чего пьеса вышла интересной, но одобрения коммунистических идеологов не снискала. «Патетическую сонату» обвинили в пропаганде мелкобуржуазной стихии и украинского национализма и раскритиковали в пух и прах.

Спустя некоторое время спектакль сняли с репертуара. После этого у Раневской не было ролей в Камерном театре и она перешла в Театр Красной армии.

В 1949 году Камерный театр был закрыт за «эстетство и формализм». Его реорганизовали, и с 1950 года он стал называться Московским драматическим театром им. А.С. Пушкина.

Фаина Раневская пришла в театр имени А.С. Пушкина по приглашению режиссера Иосифа Туманова в 1955 году. Любимица публики, яркая, талантливая, неординарная Раневская проработала в здесь почти десять лет. Она сыграла монашку в спектакле «Изгнание блудного беса» А.Н. Толстого, создала сложнейшую роль Антониды Васильевны в «Игроке» Ф.М. Достоевского — роль, удивительно подходившую азартному таланту актрисы. В спектакле «Деревья умирают стоя» А. Касоны она сыграла роль еще одной бабушки — доньи Эухении. «Я полюбила характер моей героини — нежный и в то же время необычайно твердый, решительный в самые трагические моменты жизни», — писала Раневская. В 1963 году Раневская вернулась в театр им. Моссовета.

Современное название: Театр имени А.С. Пушкина.

История здания на Тверском бульваре

Дом № 23 украшает Тверской бульвар очень давно. Самые ранние сведения об этом здании относятся ко времени императрицы Екатерины Великой. В 1779 году тайный советник князь И.А. Вяземский продал двор с домом в приходе церкви Иоанна Богослова бригадирше А.С. Дмитриевой-Мамоновой за 3300 золотых рублей. В описании особняк был назван «каменными старыми палатами». Его протяженность по фасаду была значительно короче, чем сейчас. Дом в разное время многократно перестраивали и расширяли по заказу владельцев: генерала-майора И.Ф. Дмитриева-Мамонова, затем полковника П.А. Кологривова, позднее представителей старинного рода Вырубовых. В середине XIX века фасад переделали в модном эклектическом стиле. Дворянская слава особняка к этому времени успела померкнуть.

В начале XX столетия дом купил действительный статский советник Портнов. Первый этаж он сдавал клубу циклистов (так тогда называли велосипедистов) и музыкально-драматическому кружку, а второй — частной гимназии. В 1911 году дом приобрели братья Паршины, которые, по одним источникам, стали сдавать его под квартиры, а по другим, разместили в нем бухгалтерские курсы и воинское присутствие.

В 1914 году молодой режиссер Александр Таиров искал для своего театра помещение. Вот как об этом вспоминала актриса Алиса Коонен: «...Мое внимание еще раньше привлекал здесь один особняк с красивой дверью из черного дерева. Дом казался пустынным и таинственным. По вечерам в окнах не было света. Таиров оглядел особняк и согласился, что в нем "что-то есть"». А вот слова самого режиссера: «Четыре зала, идущие анфиладой, не годятся, чтобы сделать театр... Ломать их грешно. Но есть возможность пристроить к ним небольшой зрительный зал и сцену. Само здание просто создано для театра!». В мае 1914 года начались строительные работы по проекту архитектора Н. Морозова: Паршины дали Таирову согласие на необходимые переделки. 12 декабря этого же года театр, названный Камерным, открылся спектаклем по драме древнеиндийского автора Калидасы «Сакунтала». Однако неожиданно возникли препятствия. Церковные власти возражали против того, что в непосредственной близости к Храму Иоанна Богослова будет находиться театр. С большим трудом дело было улажено.

В 1933-м Храм Иоанна Богослова был закрыт, купола и барабан разрушены. В помещении храма находились мастерские и общежитие Камерного театра, позднее мастерские Театра им. А.С. Пушкина. В 1970-х Театр Пушкина начал реставрационные работы: купола и барабан были восстановлены, фундамент и стены усилены. В 1992 году храм был возвращен РПЦ. В 1995-м здание освободили от столярных мастерских. В 2006 году была снесена стена Театра, вплотную примыкавшая к Храму Иоанна Богослова. Сейчас территория Храма восстановлена в дореволюционных границах.

Что же касается самого здания театра, в 30-е годы вновь был поднят вопрос о его реконструкции. Оригинальный проект предложил художник и архитектор Георгий Гольц. Планировалось, что здание соединит старое помещение Камерного театра с новым. В пристройке расположатся зрительный зал на 900 мест, зрительские и сценические помещения, а старая часть преобразуется в школу-студию. Объединит их общее фойе-музей. Таиров видел проект Гольца, однако вопрос о перестройке был отложен, а затем и вовсе сошел на нет. И все-таки в 30-е годы театр был немного изменен. Перестроили фасад, которому, по проекту архитекторов К. Мельникова и братьев Стенбергов, придали простой и скромный вид.

В 1949 году Камерный театр был закрыт за «эстетство и формализм». Его реорганизовали, и с 1950 года он стал называться Московским драматическим театром им. А.С. Пушкина.

По заказу художественного руководителя театра имени Пушкина Василия Ванина, здание театра, давно нуждавшееся в ремонте, перестроили во вкусе эпохи. В отделке появился пунцовый бархат и позолота, огромная хрустальная люстра и герб СССР над сценой. Зал и сцена стали выглядеть более традиционно. Однако фасад Театра остался практически без изменений. Жилая часть здания — квартира знаменитой актрисы Камерного театра Алисы Георгиевны Коонен была соединена с театром общим коридором, но имела отдельный вход, находилась на втором этаже здания и выходила окнами на Большую Бронную. После смерти Алисы Георгиевны в 1974 году эта часть здания была присоединена к театру и радикально перестроена. Здесь расположили Малый репетиционный зал и гримерные артистов. В конце 70-х годов была закрыта оркестровая яма театра, ставшая частью сцены.

В 1984 году после большой реставрационной работы, выполненной объединением «Союзреставрация» под руководством В. Антонова, была открыта для зрителей анфилада «Пушкинские залы». Это те самые сохранившиеся по сей день «четыре зала», о которых упоминал Таиров и которые наверняка еще «помнят» своих старых хозяев — Кологривововых и Вырубовых! Реставраторы восстановили оригинальную потолочную лепнину, мраморные стены, узор и резьбу. В одном из залов идут спектакли Театра Пушкина.

В 2005 году в зрительном зале Основной сцены Театра поменяли кресла и обновили фойе первого этажа. В 2006-м в обновленном фойе второго этажа открылась экспозиция, охватывающая период истории Театра имени А.С. Пушкина со дня основания, с 1950 по 2000 годы. Год спустя в отремонтированном фойе третьего этажа открылось продолжение экспозиции, посвященной истории Театра с 2001 года по настоящее время.

История Камерного театра

25 декабря 1914 года спектаклем «Сакунтала» никому в России не известного индийского драматурга Калидасы в переводе Константина Бальмонта и оформлении П.В. Кузнецова Таиров с его первой актрисой Алисой Коонен открывают свой собственный театр, который называют Камерным. «Мы хотели иметь небольшую камерную аудиторию своих зрителей... Ни к камерному репертуару, ни к камерным методам постановки и исполнения мы отнюдь не стремились — напротив, по самому своему существу они были чужды нашим замыслам и нашим исканиям», — признавался Таиров.

У создателей театра была своя программа. Она заключалась в отречении от всех существовавших тогда направлений. Режиссер со своими единомышленниками предлагал создать некий «раскрепощенный театр», пластичный, действенный, эмоциональный, говорящий своим сугубо театральным языком. Таиров словно отмел всю историю театра, устанавливая новые отношения с литературой, музыкой, пространством, живописью. А главное, воспитывал нового актера, виртуозно владеющего своим телом, голосом, эмоцией, способного быть танцором, певцом, акробатом, драматическим артистом, способного абсолютно свободно чувствовать себя в двух основных жанрах Камерного театра — трагедии и буффонаде.

Театральный художник, ученик Таирова, народный художник СССР Вадим Федорович Рындин, друживший с Раневской, вспоминал: «Тонкий знаток и ценитель живописи, Таиров смог собрать у себя в театре все лучшее, все самое интересное, чем располагало декорационное искусство тех лет. Помню, какие интересные выставки устраивал Таиров в фойе. Тут можно было увидеть эскизы Экстер, Гончаровой, Ларионова, Судейкина, Якулова, братьев Весниных, братьев Стенбергов. Здесь была возможность соприкоснуться с самыми высокими проявлениями творчества художников театра».

В сезон 1916—1917 года театру пришлось покинуть здание на Тверском бульваре. Оно было сдано другому театру на более выгодных условиях. Но Камерный театр не распался, на крохотной сцене актерской биржи родился следующий программный спектакль — «Саломея». А. Эфрос написал об этом: «Опыт огромной смелости. Так далеко театр еще не заходил». Роль Саломеи открыла галерею трагических образов Алисы Коонен. Блестящие работы И. Аркадина (Ирод) и Н. Церетели (Иоканаана) свидетельствовали о том, что мечта Таирова о «сверхактере» начинает осуществляться.

Премьера состоялась за три дня до революции. Яркая зрелищность, романтическая приподнятость и красота спектаклей Александра Таирова оказались созвучными новой эпохе. Луначарский решил вопрос о возвращении Театру здания на Тверском бульваре, 23 и о выделении денег на перестройку зрительного зала на 800 мест. Пока шло строительство, труппа выехала на гастроли в Смоленск, где в походных условиях родилась «Адриенна Лекуврер» — легендарный спектакль Камерного театра, продержавшийся в репертуаре 30 лет, спектакль, которым Камерный навсегда простился со зрителем в 1949 году...

Почти таким же шумным был успех и «Принцессы Брамбиллы», каприччио Камерного театра по сказке Гофмана, начавшей линию арлекинады в творчестве Таирова. В следующем сезоне Таиров выпустил «Федру». Специально для этого спектакля Валерий Брюсов сделал новый перевод трагедии Жана Расина. «Федра» стала одним из самых знаменитых спектаклей Камерного театра и одной из лучших трагических ролей Алисы Коонен. «Федра» утвердила позиции театра в трагедии, а выпущенный осенью 1922 года спектакль «Жирофле-Жирофля» Шарля Лекокка стал подлинным триумфом буффонады. Алиса Коонен легко превратилась из Федры в Жирофле-Жирофля, а Николай Церетели из Ипполита в Мараскина. И это было еще одним свидетельством верности таировского метода воспитания синтетического актера.

Камерный театр стал одним из самых любимых в Москве, а зарубежные гастроли в 1923, 1925 и 1930 годах принесли ему мировую славу! Свой собственный театральный язык был найден, была воспитана труппа, которой, по всеобщему признанию, не было равных в Европе. Но перед театром стояла сложная задача выбора репертуара, который бы соответствовал его эстетическим принципам — «неореализму», романтической приподнятости, приверженности к трагедии и буффонаде, оторванности от бытовых подробностей. После не слишком удачного опыта с пьесой Островского «Гроза», Таиров осуществляет постановку трех пьес Юджина О’Нила: «Косматая обезьяна», «Любовь под вязами» и «Негр». Все три спектакля имели большой успех у публики, особенно потрясла сердца зрителей «Любовь под вязами».

Продолжением этого направления в творчестве Таирова стали спектакли по пьесе Бертольда Брехта «Опера нищих» и пьесе Софи Тредуэлл «Машиналь». Таиров доказал, что может говорить о современных проблемах современным языком, ничуть не отступая от своей системы. «Кукироль», «День и ночь», «Человек, который был четвергом» — продолжили линию буффонады, гротеска и яркой зрелищности. Но постепенно перед театром встала серьезная проблема в выборе репертуара. Ставить только зарубежных авторов театр не мог, а советская драматургия не могла удовлетворить Таирова. Несколько его опытов в этом направлении закончились неудачей. И лишь «Оптимистическая трагедия» имела бесспорный успех. В дальнейшем современная советская тематика заняла важное место в спектаклях Камерного театра. «Небо Москвы» Г. Мдивани, «Фронт» С. Корнейчука, «Пока не остановится сердце» К. Паустовского...

И все же успех Камерного театра в эти годы больше связан с постановкой русской и зарубежной классики. В 1940 году состоялась премьера спектакля «Мадам Бовари» Гюстава Флобера, инсценировка А. Коонен, музыка Д. Кабалевского. «Мадам Бовари» — это одна из вершин режиссерского мастерства Александра Таирова. (В 1940 году французское правительство вручило театру медаль в знак глубочайшей признательности за этот спектакль). Тонкий психологизм, отличающий спектакль, так же свойственен и более поздним постановкам режиссера, таким, как спектакль-концерт «Чайка» по пьесе А.П. Чехова, «Без вины виноватые» А.Н. Островского, «Старик» А.М. Горького.

Театр пережил войну, играя спектакли в эвакуации на крошечной сцене клуба в городе Балхаш. В 1945 году широко праздновалось 30-летие Камерного, Таирова наградили Орденом Ленина. Но 20 августа 1946 года вышло постановление ЦК ВКП(б), практически запрещающее зарубежную драматургию и ориентирующее театры на советские «бесконфликтные» пьесы о борьбе хорошего с лучшим. Такой репертуар был противоестественен таировскому методу. И снова началась борьба, приведшая в 1949-м к закрытию театра. Идя на последнее заседание в Комитете по делам искусств, Таиров не собирался сдаваться. Он прочел доклад, пытаясь проанализировать реальное положение дел в театре. Но доклад не достиг цели. Предваряя решение комитета, он сам заявил об уходе из своего театра. Последним спектаклем Камерного стала «Адриенна Лекуврер», после которой его занавес навсегда закрылся.

История театра имени А.С. Пушкина

Год рождения Драматического театра имени Пушкина — 1950. Его первым художественным руководителем был назначен Василий Васильевич Ванин. Известный и талантливый актер театра и кино, народный артист СССР, трижды Лауреат Сталинской (Государственной) премии, Василий Ванин в основе репертуарной политики театра видел русскую классику и современную отечественную драматургию. Человек талантливый и целеустремленный, Ванин, со всем присущим ему энтузиазмом и упорством, принялся строить свой театр.

21 октября 1950 года состоялась премьера первого спектакля «Из искры» Ш. Дадиани — о молодости Сталина. Через несколько дней вышел еще один спектакль — психологическая драма «Украденное счастье» Ивана Франко. В 1951 году Ванин поставил музыкальный спектакль «Джон — солдат мира» Ю. Кроткова о судьбе певца Поля Робсона и «Свадьбу Кречинского» А. Сухово-Кобылина, где сыграл свою последнюю роль — Расплюева. Этот спектакль был настолько популярен, что на его основе впоследствии был снят художественный фильм-спектакль. В планах режиссера были «Борис Годунов» и «Капитанская дочка», где он хотел сыграть Пугачева. Но этому не суждено было сбыться, в 1952 году Василий Ванин умер. За год он успел выпустить пять спектаклей.

С 1952 по 1953 годы пост главного режиссера театра занимал народный артист СССР Борис Александрович Бабочкин. Фантастический талант Бабочкина не укладывался в рамки актерского амплуа, а колючий и острый характер не позволял навязывать ему стиль и манеры времени. Так, став руководителем театра, он пригласил режиссера Алексея Дикого на постановку спектакля «Тени» по пьесе М. Салтыкова-Щедрина, где сыграл одну из своих лучших ролей — Клаверова.

С 1953 по 1960 годы театром руководил народный артист СССР Иосиф Михайлович Туманов. Событием в театральной жизни Москвы стал спектакль режиссера Кнебеля «Иванов» (1955), в котором Б.А. Смирнов блестяще сыграл роль Иванова. Режиссер, воссоздавая на сцене эпоху 1880-х годов, берет чеховского героя как бы в перспективе будущего. Перед лицом новых, наступающих времен Иванов судит себя.

Этапными в жизни театра стали спектакли «Мария Тюдор» В. Гюго (1957 г.), «Деревья умирают стоя» А. Касона (1958 г.), «Трасса» И. Дворецкого (1959 г.) режиссера Туманова, «Игрок» Ф.М. Достоевского, «Как важно быть серьезным» О. Уайльда (1957), «Изгнание блудного беса», «Доброй ночи, Патриция!» (1960) режиссера Н.В. Петрова. В них были заняты гениальные Ф.Г. Раневская, О.А. Викландт, Б.П. Чирков, Г.А. Яниковский, А.П. Шатов, А.К. Мягких, М.Н. Названов, М.М. Кузнецова, Н.К. Прокопович.

В 1960 году в театр пришел народный артист России Борис Иванович Равенских. С его именем связана эпоха высокой романтики в истории театра. В его спектаклях блистали работы таких мастеров сцены, как Л.О. Гриценко, Л.А. Скопиной, Ю.И. Аверина, Л.С. Антонюк, А.И. Кочеткова, заслуженных артистов РСФСР С.К. Бубнова, Н.К. Прокоповича, С.А. Боброва.

Работу в театре имени А.С. Пушкина Равенских начал постановкой «Свиных хвостиков» — непритязательной комедии Я. Дитла. Вскоре состоялась премьера спектакля «День рождения Терезы» Г. Мдивани. В 1962 году состоялась премьера спектакля «Романьола» Л. Скурацина. «Поднятая целина» М. Шолохова (1965) — спектакль, в котором соединились все лучшие черты творческой индивидуальности Равенских: эпический размах, песенность, романтическая приподнятость, чеканная скульптурность мизасцен, безудержность фантазии. «Дни нашей жизни» (1966 г). — то щемяще-грустное, то залихватски-радостное прочтение Равенских пьесы Леонида Андреева.

Свой спектакль по роману Н. Островского «Как закалялась сталь» Равенских назвал «Драматическая песня» (1971 г.). В названии спектакля выразилась не только идея режиссера, но и его способ мышления. Равенских создал поэму о поэте. «Драматическая песня» — последняя постановка Равенских в Театре имени Пушкина. Его позвали главным режиссером в Малый.

С 1971 по 1978 годы театром руководил народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии СССР Борис Никитич Толмазов. Талантливый, яркий актер, успешно начавший заниматься режиссурой с легкой руки Николая Охлопкова, Борис Толмазов создал такие спектакли, как «Большая мама», «Легенда о Паганини», «Последние дни», «Каменное гнездо», «Без вины виноватые» и другие. Его лучшие постановки в Театре имени Пушкина отличала пластичность, музыкальность, поэтичность и оптимизм мироощущения.

С 1983 по 1987 годы главным режиссером был Борис Афанасьевич Морозов, народный артист России, заслуженный деятель искусств РФ. Романтическая приподнятость, зрелищность и метафоричность присущи лучшим работам этого режиссера: «Мотивы» М. Ворфоломеева (1983 г.), «Луна в форточке» Р. Феденева по ранним произведениям М. Булгакова, «Я — женщина» В. Мережко (1984 г.), «День Победы среди войны» по пьесе И. Гаручавы и П. Хотяновского, повествовавшей о создании Седьмой симфонии Шостаковича в блокадном Ленинграде (1985 г.), «Иван и Мадонна» А. Кудрявцева с замечательным артистом Георгием Бурковым в главной роли. Интересный пластический спектакль по М. Метерлинку «Обручение» (1984 г.) поставил Г. Мацкявичус.

С 1987 по 2000 годы театр возглавлял народный артист РСФСР Юрий Иванович Еремин. Настоящим культурным шоком стала его «Палата № 6» — один из самых популярных спектаклей конца 80-х. Спектакль получил большой международный резонанс, был с успехом показан на крупных театральных фестивалях во Франции, Швейцарии, Бельгии, Италии, Америке. Первые же спектакли Ю.И. Еремина в театре Пушкина — «Подонки» Я. Гловацкого (1987), «Бесы» по пьесе А. Камю, «Разбитое счастье» («Светит, да не греет») А. Островского и Н. Соловьева (1988), «Черный монах» по А.П. Чехову, «Эти свободные бабочки» (1991), «Эрик ХIV» Стриндберга (1992), «Призраки» Э. де Филиппо (1992) вызвали большой интерес театральной публики и привлекли в театр ценителей современного концептуального театра.

В апреле 2001 года художественным руководителем Театра им. Пушкина стал заслуженный артист РФ, заслуженный деятель искусств РФ Роман Ефимович Козак. Всего Козак поставил в Театре имени Пушкина 15 спектаклей, среди них был жаркий и страстный «Джан» по прозе Платонова, «Девичник club», «гвоздь сезона» — «Оffиc», современная притча «Саранча». Последний спектакль — «Бешеные деньги» А.Н. Островского, чьи пьесы Роман Ефимович считал «высшей театральной математикой». 11 мая 2010 года после премьеры спектакля «Бешеные деньги» он вместе с артистами вышел поклониться взорвавшемуся аплодисментами зрительному залу. 28 мая Романа Козака не стало.

В июне 2010 года художественным руководителем Театра имени А.С. Пушкина был назначен заслуженный артист России Евгений Писарев. Первым спектаклем в должности художественного руководителя стала современная версия Шекспира «Много шума из ничего» (2011). Следующая постановка — «Великая магия» (2012), в которой Евгений Писарев сам сыграл главную роль в блистательном дуэте с Виктором Вержбицким. В спектаклях «Таланты и покойники» (2012) и «Женитьба Фигаро» (2014) на главную роль приглашен Сергей Лазарев.

Одной из самых значимых работ Евгения Писарева стал спектакль-посвящение «Камерный театр — 100 лет», поставленный к юбилею легендарного Камерного театра, в здании которого сейчас находится Театр имени Пушкина. Спектакль был создан как память и дань создателю театра Александру Таирову и его музе, актрисе Алисе Коонен. Пьесу, основанную на документальном материале — письмах, дневниках, фрагментах спектаклей Камерного театра — написала Елена Гремина. В Юбилейном вечере приняла участие практически вся труппа театра. Этот спектакль, показанный всего один раз (25 декабря 2014 года, в день столетия Камерного театра), сплотил все поколения актеров театра Пушкина и стал одним из самых знаковых событий года.

Адрес: г. Москва, Тверской бульвар, д. 23.